Prisma Art Prize | Johannes Bosisio

Johannes Bosisio: “Il contrasto ha un ruolo centrale nel mio lavoro: mi permette di mettere in risalto le differenze tra le superfici e di esplorare nuove possibilità visive.”

by Marco Crispano

Come e perché hai iniziato la tua carriera artistica?

La mia carriera artistica si è sviluppata in modo naturale. Anche mio padre è un artista, e da bambina passavo spesso del tempo a disegnare nel suo studio. Come molti bambini, inizialmente desideravo seguire le orme di un genitore. Durante l’adolescenza ho preso in considerazione la moda, ma a 18 anni avevo ormai sviluppato un desiderio chiaro e indipendente di dedicarmi alle belle arti.

Come hai scoperto il tuo medium e perché lo hai scelto?

Le mie radici artistiche affondano nel disegno, motivo per cui nelle mie pitture sono evidenti influenze grafiche. Il mio approccio pittorico incorpora nitidezza e forti contrasti, elementi che derivano dal mio background nel disegno. Cerco di spingere i confini della pittura sperimentando con texture, superfici e materiali, per creare una varietà di effetti visivi.

Il contrasto ha un ruolo centrale nel mio lavoro: mi permette di mettere in risalto le differenze tra le superfici e di esplorare nuove possibilità visive.

Le mie opere funzionano come ibridi, fondendo elementi di disegno, pittura e scultura. Il concetto di ibridazione è fondamentale nella mia pratica, perché riflette la mia biografia personale. Crescendo in un rigido villaggio cattolico di montagna sulle Alpi, la mia infanzia è stata segnata da racconti cristiani e storie mitologiche, che hanno alimentato il mio interesse per rituali, miti e l’irrazionale. Trasferirmi in grandi città come Berlino e Londra ha rappresentato sia una liberazione dalle restrizioni della vita di paese, sia uno shock, a causa del ritmo frenetico, dei rumori e dell’anonimato dell’ambiente urbano. Queste esperienze plasmano il mio lavoro, generando composizioni ibride sia dal punto di vista tematico che tecnico.

Puoi parlarci del tuo processo creativo? Come nasce il tuo lavoro? Quanto tempo impieghi per realizzare un’opera? Quando sai che è finita?

Il paesaggio urbano in cemento ha un ruolo significativo nell’influenzare il mio lavoro. Incorporando materiali artificiali come cemento e metallo, rifletto sugli ambienti costruiti in cui viviamo e sulla relazione tra esseri umani e materiali.

Attualmente sto lavorando a diverse serie che analizzano vari aspetti del rapporto tra uomo e macchina. La serie Shapeshifter, ad esempio, esplora la feticizzazione delle superfici metalliche e delle loro riflessioni. Indaga la percezione intima — e talvolta erotica — delle superfici metalliche lisce e specchianti, mettendo in parallelo queste superfici con il concetto stesso di feticcio. Attraverso questo lavoro creo un ménage à trois dinamico tra artista, macchina e spettatore, confondendo i confini tra soggetto e oggetto e mettendo in dialogo uomo e macchina, artista e pubblico, attraverso una triangolazione provocatoria.

Stabilire quando un’opera è finita non è un processo fisso per me. Ogni pezzo cresce nel tempo. Spesso mi allontano dal lavoro per poterlo osservare con occhi nuovi, permettendomi di valutarne meglio l’evoluzione. Alla fine, un’opera è completa quando sento un’intuizione precisa — una sensazione difficile da descrivere ma che mi comunica che ha raggiunto la sua risoluzione.

Chi sono i tuoi artisti preferiti? Quali ti ispirano?

La mia prima grande influenza, che continua ancora oggi, è Francis Bacon. La sua capacità di evocare emozioni crude e tensione attraverso le sue opere mi ha sempre affascinato. Tuttavia, trovo grande ispirazione anche negli artisti della nostra generazione che stanno lasciando un segno nel panorama contemporaneo. Tra questi, ammiro Oscar Murillo, Issy Wood, Liang Fu e Klára Hosnedlová per i loro approcci unici e i contributi innovativi all’arte contemporanea.

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